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Dra. Dina Comisarenco Mirkin
Dpto. de Arte, Universidad Iberoamericana
A pesar de la cantidad de libros y artículos especializados sobre la vida y obra de Frida Kahlo, existen aún innumerables facetas de su enérgico y provocativo mensaje expresivo que continúan invitando a la reflexión, al estudio y a la revisión innovadora. Bajo el supuesto de que el valor de la obra de Frida reside principalmente en su excéntrica singularidad como persona, la mayor parte de los estudios críticos escritos hasta la fecha, se centran sobre la psicología y la vida de la artista. En el presente trabajo, por el contrario, se estudia la deliberada autoconstrucción de Frida como icono vital de la Revolución y de la "mexicanidad" y principalmente como metáfora de la cruenta y compleja historia política del México posrevolucionario que junto a su esposo, el muralista Diego Rivera, protagonizó y vivió intensamente. A través del análisis de la imagen de Frida creada por el mismo Diego, de algunas de sus declaraciones personales, y principalmente, del estudio de algunas de sus obras, se concluye que, más allá del análisis personal y de las motivaciones psicológicas personales que encauzaron su creatividad artística, Frida logró encontrar en sí misma las claves de la realidad mexicana posrevolucionaria y convirtió a su propia imagen pictórica en una representación elocuente y persuasiva, en una "alegoría real," de la situación histórica de su querido y doliente México, tratando de sanar de sus ancestrales y profundas heridas sociales.
Mtra. Litzajaya Motta Arciniega
UNAM
Durante su última aprehensión en Lecumberri, David Alfaro Siqueiros (1896-1974) vivió una de las vivencias más dolorosas a nivel personal. Acusado de sedición por su apoyo al movimiento ferrocarrilero, Siqueiros fue preso a la edad de 65 años. La permanencia en un espacio tan reducido, como lo eran las celdas de ese presidio con medidas inferiores a los nueve metros cuadrados, resultó agobiante para su creatividad y expresividad como pintor muralista y, más aún, como figura social. No obstante, el maestro muralista encontró en esos años, que van de 1960 a 1964, la oportunidad de replantearse plásticamente ante la pintura de caballete, de la cual produjo aproximadamente más de doscientos cuadros. La pintura de caballete le permitió experimentar, en la intimidad de su celda transformada en taller pictórico, con nuevas temáticas y trabajos por encargo que hicieron cambios en su apreciación sobre este formato. Entre esos cuadros se encuentra una serie de cristos pintados a partir de 1963. Esas obras tienen títulos que aluden al carácter social de la figura cristiana así como a su Pasión. Más aún, el pintor escribió al reverso de las telas mensajes con poderosas connotaciones ideológicas y existenciales. Estas obras marcan una evolución tanto en su experiencia artística como de su experiencia religiosa, poniendo en crisis dos supuestos que le identificaban hasta entonces. Por un lado, su menosprecio al cuadro de caballete respecto de la obra mural y, por otro, su ateísmo religioso.
Para el estudio de los alcances que tuvo su experiencia artística para descubrir su articulación con la otra experiencia humana (la religiosa) seguiré la propuesta teórica de los ámbitos, del profesor Alfonso López Quintás, catedrático emérito de Estética de la Universidad Complutense y Miembro de la Real Academia Española de Ciencias Morales y Política. En esta teoría las experiencias estética y religiosa conservan una afinidad estructural, que supera el modo de interacción meramente objetivista entre el sujeto cognoscente y el objeto-de-conocimiento. La creación de ámbitos en las experiencias artística y religiosa parte de la comprensión del arte y de la búsqueda de Dios como actividades dialógicas, con base en la teoría antropológica filosófica que concibe al hombre como un ser de encuentro.
Dra Karen Cordero Reiman
Dpto. de Arte, Universidad Iberoamericana
Esta ponencia constituye una reflexión estética a partir de la obra Las indias de José Clemente Orozco, indagando en los enigmas de su forma y significado en relación con los temas de modernidad formal,
raza, género, gestualidad, e integración e desintegración del cuerpo. Buscará ubicar una lectura de esta obra que integra la fenomenología y el concepto de afecto, con las implicaciones de esta obra en
términos políticos y sociales. Tomará en cuenta, entre otros referentes, las perspectivas de Griselda Pollock sobre la relectura del canon de la Historia del Arte desde un enfoque de género, el concepto de lo abyecto elaborado por Julia Kristeva, y el manejo de la afección y el afecto por Deleuze.
Dr. Victor Hugo Mendez Aguirre
Investigador titular del Instituto de Investigaciones Filológicas UNAM
El propósito de la presente comunicación consiste en aplicar el concepto platónico aísthesis (percepción o sensación) en el estudio de algunas fiestas sincréticas chilenas y mexicanas con el propósito de contribuir al desciframiento, en el caso de esta comunicación sólo parcial, de la estética latinoamericana actual. Las coordenadas teórico-metodológicas de la presente serán, por una parte, la estética del recientemente extinto Fidel Sepúlveda y, por la otra, la vertiente de la hermenéutica simbólica hispano mexicana.
Quizá el concepto "fiesta" designe realidades heterogéneas en nuestros días. Fidel Sepúlveda Llanos ofrece un estudio amplio del uso de los sentidos en las festividades latinoamericanas; pero junto a la percepción sensible, hace hincapié en la pregnancia simbólica de las artes-artesanías, las comidas, los sonidos y los olores. El sincretismo inherente a algunas fiestas populares latinoamericanas obliga a plantear una estética que responda a nuestra realidad.
Mtra. Nadia Giral
En esta ponencia pretendo hacer una reflexión crítica sobre las cuestiones estéticas de la obra de Paul Ricoeur, pues a lo largo de la vida de este filósofo el arte ha desempeñado un papel muy importante. Al parecer, en su obra, esta dimensión de la experiencia humana está extrañamente ausente o había sido poco tratada. Sin embargo, si se revisan sus análisis literarios se pueden encontrar varios aspectos o categorías vinculadas a cuestiones estéticas tales como el equiparar la obra de arte con la metáfora, en donde diversos niveles de sentido y significación vienen a reunirse bajo una misma forma expresiva.Ricoeur aborda la estética por medio de la cuestión de lo narrativo; lo que lo conduce a tomar posición ante un problema la doble vertiente o función del signo y su relación con el símbolo. Todo este cuestionamiento y reflexión acerca de los aspectos y categorías estéticas en la obra de Ricoeur son puestas aprueba en el estudio del arte teotihuacano, en particular, en el simbolismo del cánido.
Mtra. Tatiana Valdéz Bubnova
Una clase de imágenes esta constituida por muestras de la plástica teotihuacana cuyo objeto ha sido considerado en los diferentes estudios, como el "mundo natural", representado mediante las convenciones propias de la imaginería teotihuacana. La segunda clase de imágenes esta constituida por el conjunto de muestras interpretadas como un sistema de comunicación asociado con un sistema de comunicación mediante signos gráficos convencionales, análogo a un sistema de escritura.
Dra. Dalia Ruiz Ávila
Universidad Pedagógica Nacional
En este trabajo se expone de manera prioritaria una premisa; todos los discursos poseen una dimensión estética, cuya proporción varía de acuerdo con el tipo discursivo que se aborda (Ruiz Avila, 2005) en consecuencia, la estética no es una disciplina relacionada en sentido directo y estricto con el arte, sino que en ella confluye un conjunto de elementos que permiten abordarla en el plano de la interdisciplinariedad.
En el hipil que porta la mujer, sujeto que produce el vestido que cubre su cuerpo, en ese objeto visto por ella y por otros, se centra esta exposición; de manera particular en el diseño del bordado, en la estética de la visión (Barthes, 1982); mirada que provee de sentido, cuando se nutre del placer que le confiere el reconocimiento del ícono, de los códigos constitutivos que interactúan y construyen el yo/nosotros y el mundo. Mirada y creatividad que se conjugan para obtener un mundo de flores, hojas, ramas, grecas y colores; un lenguaje propio que condensa significados socioculturales.
Mtra en Artes Laura Elisa Varela Cabral
Estudia en Cyad UAM-X
La ponencia comienza por establecer una noción ampliada del concepto estética, que lo relaciona con las acciones de la vida cotidiana en su dimensión semiótica y energética, es decir, su significación. Esta noción recupera fundamentalmente la propuesta de Michel Maffesoli respecto a que la estética es el centro de interrelación de la vida contemporánea, y que a través de ella se establece una ética, a lo cual se aplica la metodología desarrollada por Michel De Certeau para el análisis de la interrelación con los otros dentro de los espacios cotidianos. En ese sentido se estudia la relación entre innovación e interacción con los objetos en AL: un continente pobre en innovación, pero rico en una tradición estética que ritualiza lo cotidiano y se expresa, inevitablemente, en los procesos de apropiación. Asimismo es una región en la cual se ejerce el mantenimiento de los objetos y con ello su reutilización y transformación, lo cual contribuye a la trama de una propia estética contemporánea, cuyos valores y alcances están, sin embargo, delimitados por las condiciones económicas y técnicas, así como por un canon estético mundial de carácter impositivo. El debate del trabajo es sobre la existencia y la pertinencia de una estética propia en lo cotidiano, y su grado de operatividad en el contexto de la diversidad cultural.
Dra. María Cristina Ríos Espinosa
Maestría de Arte y Decodificación Visual
Instituto Cultural Helénico
El presente trabajo reflexiona acerca del tipo de categorías, a partir de las cuales se puede construir un discurso de legitimación, alrededor de las producciones artísticas de nuestro tiempo desde ámbitos distintos de la estética. Se discute la validez de la antigua opinión acerca de la función del arte como una imitación de la realidad, que ya desde Hegel en sus Lecciones de Estética estaba en discusión por degradar ontológica y epistemológicamente al arte. La comprensión del arte de hoy es posible si partimos de la noción del arte como mimesis, pero no a la manera como la entendían los antiguos como copia o adecuación a un modelo que se imita, sino como símbolo, partiendo de la metodología hermenéutica ofrecida por Hans Georg Gadamer en La actualidad de lo bello y en Verdad y Método. °°
Dra. Laurence Le Bouhellec,
Departamento de Letras, Humanidades e Historia del Arte
Universidad de las Américas, Puebla
Resumen: ¿será el surgir de la mirada estética en el ámbito occidental y, por ende, la estetización progresiva de nuestro mundo y de los objetos que lo conforman, un fenómeno autónomo o solamente la consecuencia de un cambio mucho más profundo, a nivel psíquico, síntoma de la revocación del dominio de la representación y del (re)surgimiento de la fuerza del pathos.
Referencias teórico-metodológicas: se propone una lectura del ensayo de Yves Michaud 'El arte en estado gaseoso' desde Jacques Rancière y Hans Belting a partir de una plataforma nietzscheana y maffesoliana.
Mte. Andrea Marcela Motta Arciniega,
Instituto de Investigaciones Estéticas-UNAM.
La creación artística, entendiendo por ello la producción deliberada de una obra, así como el proceso de trabajo que conlleva tal tarea, se hacen presentes en la producción filosófica a través de la crítica de arte. Esta ponencia subraya las implicaciones conceptuales planteadas en la crítica escultórica que desde la fenomenología existencial Jean-Paul Sartre consagró a ciertas esculturas surrealistas de la primera mitad del siglo XX. La teoría del arte (L´imaginaire) sartriana considera el concepto de analogon para implicar ontológicamente al objeto escultórico como una unidad dual del en-soi-pour-soi. Además, esta representación analógica es también ambigua en la medida que la ambigüedad de la existencia, concebida así por Sartre, permite afirmar que un objeto artístico (escultura) articula y sobrepone en la realidad al evento de la "actitud estética" como una vivencia transformadora del mundo. De este modo, se estudiará la descripción fenomenológica de los elementos plásticos y conceptuales de la escultura, en particular la dimensión objetiva-subjetiva y política, con que la teoría del arte de Sartre justifica la obra del artista Hare.
Dra. Lydia Elizalde
Teorías y crítica del arte y la literatura. Universidad Autónoma del Estado de Morelos
La crítica del arte se presenta en la posmodernidad como el modo de pensamiento idóneo para el acercamiento a diversos objetos artísticos -plásticos, visuales, espaciales y gráficos. Los estudios de la crítica del arte como fenómeno histórico, como forma de pensamiento de un periodo y cómo práctica artística, permiten la reflexión y la generación del conocimiento sobre el objeto de arte. Gombrich explica que la percepción de la obra artística pretende reproducir el mundo, y ésta es una poética diferente a la del crítico que intenta reproducir la obra de arte. De esta manera, en los procesos de mímesis entre el mundo real y arte, la realidad queda representada en la imagen artística y la obra queda representada en la crítica del arte. Las artes y la misma crítica son un registro de la percepción de una coyuntura espacio-temporal; la percepción es el paso inicial para la apreciación de la obra de arte y se impone como uno de los principales productores de sentido con la participación subjetiva del receptor-consumidor del arte.
Gombrich. E. H. La imagen y el ojo: nuevos estudios sobre la psicología de la representación
pictórica, Madrid. Alianza forma 1987.
Guasch, Anna María (comp.) La crítica del arte. Serbal. Barcelona, 2003.
Mtra. Elba Leticia Maya Durán
Ciencias de la Comunicación Universidad Cuauhtémoc San Luis Potosí.
Entre 2008 y 2009 los estrenos de los filmes "El luchador" de Darren Aronofsky, "El Gran Torino" de Clint Eastwood y "UP" de Peter Docter y Bob Peterson, recibieron una Gran aceptación y reconocimiento en los círculos cinematográficos internacionales. Las Tres películas tienen la misma particularidad soportan en su estructura dramática a un Personaje principal que funciona como héroe o antihéroe, con características físicas Similares. Puede ser cuestión de casualidad. Sin embargo cabría reflexionar sobre si Se trata de un posible reflejo del hartazgo a lo políticamente correcto o una necesidad De otra clase de héroes menos heroicos. ¿Se tratará acaso de un fenómeno cultural Planeado por un marketing que anticipa un cansancio del porte juvenil y busca en la Ancianidad nueva inspiración? ¿Cuál sería esta inspiración?
Dra. Alma Delia Zamorano Rojas.
Universidad Panamericana.
En la llamada Posmodernidad la violencia se ha convertido en un estilo de vida. Más aún lleva a cabo las funciones de adjetivo: la sociedad violenta, o muchas de las veces se convierte en el sustantivo mismo: la violencia social; aspectos que ponen de manifiesto que si bien el ser humano ha logrado un progreso definitivo en áreas que parecían impenetrables, sarcásticamente, en otros aspectos (principios éticos y morales) ha creado grandes fisuras poniendo al descubierto conductas que son catalogadas como exponentes de una contracultura. Es por ello que la violencia se ha consolidado en nuestros tiempos con una estética que se manifiesta como una respuesta de la sociedad contemporánea. En este trabajo, sirviéndose del filme de Oliver Stone, paradigmático en el tratamiento de la agresión y la violencia se analiza el tema, ensayando respuestas ante tópicos que van desde su cauce mediático y su trivialización, hasta sus alcances como crítica del poder.
Jacqueline Gómez Mayorga
Sepancine, AMESVE
Imagen de la vejez en el cine mexicano es un trabajo, producto de la unión de dos temas apasionantes de estudio, que llevo a cabo en la actualidad: el cine, por un lado, y la gerontología, por otro. Las aproximaciones que realizo hacia estos dos tópicos tienen una misma base: la estética.
Lo que propongo es una mirada desde la estética cotidiana, a las representaciones estereotípicas, a las visiones edificantes o decadentes y a la construcción del imaginario social acerca de la vejez, expuestas en películas mexicanas contemporáneas.
¿Cómo es la representación cinematográfica de ser viejo, del envejecer y de los estereotipos que nutren el viejismo? ¿Cuáles son los elementos estéticos que construyen nuestros imaginarios y determinan cómo nos vemos como viejos? Pensemos en estas dos ideas de Deleuze: "mi cuerpo es imagen" y el cine es "imagen-tiempo imagen-movimiento". Ahora pensemos en la vejez y lo realmente importante de la imagen: su sentido dinámico. Esta es una reflexión acerca de la vejez desde las miradas estéticas del cine y sus repercusiones en la vida cotidiana, cuya pertinencia se puede comprender se piensa que, en la actualidad, el envejecimiento poblacional es uno de los cinco principales retos del mundo; y los estudios estéticos en torno a la vejez son apenas incipientes.
Dte. Gemma del Carmen Argüello Manresa
Centro de Estudios e Investigación en Humanidades, Universitat Autònoma de Barcelona
Instituto de Investigaciones Filosóficas, Universidad Nacional Autónoma de México
La filosofía del cine es una vertiente de la estética filosófica muy reciente (principalmente de corte analítico). Entre sus representantes más importantes encontramos a estetas de la talla de Nöel Carroll, Gregory Currie y Jerrold Levinson. En este trabajo se desarrollará un tema que si bien no ha sido abordado hasta ahora por la filosofía del cine, sí es derivado de uno de los subtemas que se trabajan en ésta área y que se caracteriza por su amplio grado de interdisciplinariedad. Gracias a los aportes de las ciencias cognitivas y de la filosofía de la mente aplicados al arte para comprender problemáticas específicas de lo que sería una estética de la recepción, en este trabajo se abordará cómo es que la compasión (como una emoción) es despertada por ciertas narraciones cinematográficas (específicamente de cine de guerra) y cuáles son los mecanismos tanto narrativos como estilísticos mediante los cuales ésta emoción puede llegar a ser sentida por el espectador.
Lic. Julio García Murillo
Universidad La Salle
Se articula, desde una confrontación conceptual entre elementos del pensamiento de Heidegger y el de Bataille, una lectura del arte contemporáneo como operación monstruosa [unheimlich]. El campo de lo común que abre dicha confrontación se muestra en la dimensión de la cosa, así como en su consecuente -y para ambos necesaria- destrucción. Para los dos pensadores, provocar el hundimiento del carácter cósico del mundo contemporáneo constituye la tarea primordial dentro del acelerado flujo de utilidad y puesta a punto [Ge-stell] de lo ente. La operación que derrumba la constitución -ontoteológica y de producción-utilidad- de la cosa se da de manera preeminente en el arte. El derrumbe, ya sea una operación hermenéutico-originario-destructiva o una inversión de las estructuras de producción hacia las de gasto y consumo -inscripción sacrificial-, sugiere una lectura acéfala, es decir, exploradora de coincidencias e incidencias, más que de fundamentos o principios reinantes -propiamente cefálicos.
Dra. María Rosa Palazón Mayoral
Instituto de Investigaciones Filológicas, UNAM:
"Ambigüedad, sentido y mood" es un enfoque interdisciplinario que reúne filósofos mexicanos, hermeneutas, lingüistas y comunicadores postestructuralistas. Plantea que no es la ambigüedad ni indeterminación o realidades no descritas las que explican mejor las interpretaciones o hermenéuticas variables, sino los sentidos que aportan los receptores de la obra con pretensiones de artística. El sentido sería incomprensible sin los sentimientos que inspira el estímulo, sin su mood, un enigma aún no analizado.
Dra. María Antonia González Valerio
Facultad de Filosofía y Letras UNAM
En la ponencia trataré el problema del tiempo en relación con el arte y con la historia del arte visto de una perspectiva ontológico-estética. Me preguntaré por las ventajas y perjuicios de la historia para el arte siguiendo de cerca tanto a Hegel como a Nietzsche, así como el tipo de temporalidad que corresponda a lo estético.
Dr. Gerardo Argüelles Fernández
Centro de Estudios Lingüísticos y Literarios de la Facultad de Lenguas y Letras.
Universidad Autónoma de Querétaro.
Nuestra contribución aborda la recurrente confusión de la traducción al castellano de los términos alemanes de Erlebnis (vivencia) y Erfahrung (experiencia), sobre todo desde el ámbito de la filosofía fenomenológica y de la hermenéutica. Aquí tratamos de demostrar que la actualización pragmática de los usos de estos términos no necesariamente cubre la semántica filosófica de su origen. En este sentido mostramos las aplicaciones más familiares de estos términos en lengua alemana y después estableceremos los nexos correspondientes con sus distinciones filosóficas más sutiles. De este modo nos ocuparemos de ofrecer una conclusión que bien pudiera tenerse en cuenta como una contribución de investigación sobre la noción y el manejo de la vivencia estética en distinción con la analogía de experiencia estética. En este contexto centraremos nuestras apreciaciones en dos factores fundamentales, a saber, en la posibilidad fenomenológica de la vivencia y en el tratamiento hermenéutico de la experiencia.
Dr. Georges Roque
Investigador del CNRS, París
Me gustaría proponer un marco general para entender los problemas estéticos que plantea el color, a partir de la noción de imaginario.
Existen varias concepciones de lo imaginario, desde el psicoanálisis hasta la búsqueda de estructuras arquetípicas. La concepción que estoy desarrollando es cercana a la de historiadores como Jacques Le Goff. Sin embargo, ellos se enfocan en un periodo determinado, la Edad media, y analizan su mentalidad a través del estudio de temas imaginarios (lo maravilloso, la selva, etcétera). En cambio, en el caso del color, no se trata de estudiar el imaginario de un color en particular, ni un periodo específico, ni siquiera unos temas, sino más bien de entender cómo el color ha sido concebido por el imaginario occidental, ya que existen rasgos permanentes que lo caracterizan desde la Antigüedad griega.
Espero que este acercamiento permita echar más luz sobre algunos de los problemas de la estética cromática, como su relación con el hedonismo, el maquillaje, el adorno, etcétera.
Dte. Hugo Leyva
Instituto de Investigaciones filosóficas de la Universidad Michoacana
La artisticidad y su estudio, que debiera distinguir al constructor o creador de la obra del proceso cultural externo que le da la categoría de arte a la obra misma, muchas veces se asigna a su estructura ("esencia") o a sus contenidos, generalmente con un enfoque ontológico. Para buscar el arte y su especificidad en un texto se mira hacia adentro, cuando se tendría que mirar hacia afuera, hacia la lógica cultural que permite el uso estético del mismo. La obra de arte, actualmente, funciona como una "cosa" sin significación, no como un mensaje. Cada uno de nosotros va a "crear", intencionar fenomenológicamente la obra a partir de nuestro punto de vista. No hay comunicación en el arte en el sentido tradicional de la decodificación, sino una auto-evocación del crítico sobre el texto. Un correcto enfoque científico debe distinguirse epistemológicamente de la crítica.
Dcte. López-León Ricardo.
UAM-X
El objetivo de esta ponencia es presentar lo que he denominado como Reactor Semio-estético (basado en el concepto de semioestética de Mandoki, 2006) que es un mapa visual para mostrar de manera gráfica las cargas afectivas y cognitivas que se van encontrando durante el análisis de una pieza de comunicación. El Reactor está montado sobre dos planos, uno afectivo y otro cognitivo, los cuales muestran tres ejes de manera que lo cognitivo se opone a lo afectivo. Sin embargo, tanto afectivo como cognitivo, cada uno con tres niveles, pueden combinarse de manera que una pieza comunicacional puede tener cargas en ambos niveles (afectivo y cognitivo). Estos tres ejes lateralmente opuestos están basados en las dimensiones propuestas por Morris (1985), de manera que, en el primer eje, se grafican las cargas emocionales ó cognitivas referentes a la sintaxis de la pieza analizada. De esta manera, el primer eje se puede representar con sus 2 extremos.
Dra. Katya Mandoki
Área Estética, cultura y semiótica del diseño Posgrado CYAD UAM-X
El enigma del pavo real, un evento estético singular y absolutamente excesivo en la naturaleza, resultó tan enigmático que a Darwin literalmente lo enfermaba, como lo confiesa en una carta a su amigo Asa Gray el 3 de abril de 1860. No era para menos. Esa esplendorosa cola de pavo real echaba por tierra el elegante principio explicativo de la selección natural en la teoría de la evolución: un pavo de cola más corta hubiese sido seleccionado sobre el de cola larga por su mayor destreza al evadir predadores. Analizaremos este enigma en sus implicaciones para la teoría de la estética.
Jolanta Klyszcz,
Universidad del Claustro de Sor Juana, Universidad Iberoamericana.
Refiere a un experimento con los alumnos universitarios quienes dibujaron sus autorretratos. Mostraremos una selección de ellos. Para examinarlos, primero reconocemos las reflexiones de Martin Heidegger acerca del arte y su postulado de cambios en nuestra relación con el lenguaje. También observamos en nuestro ejercicio el efecto de la ruptura postmoderna, cual confirma las indagaciones de Nicolas Bourriaud sobre el uso de la imagen hoy. El uso visto como la parte integra de la imagen, en contraste con el aprecio de la imagen, que anteriormente forjó su valor simbólico.
Lic. Juan Granados Valdéz
Instituto Gastronómico de Estudios Superiores S. C., IGES Qro.
La comida, muchas veces y por la exigencias de la profesión, no encuentra una buena acogida entre bailarines y actores. Su dieta hace de la comida una tentación, a veces tan fuerte que no se sabe quién se come a quién. Los cocineros pueden ser responsables de ello. Estos, últimamente, sujetos a una formación profesional precisa, se constriñen a los estándares de calidad y salud. En el marco de la 4ta Copa estudiantil de gastronomía, organizada por el Instituto Gastronómico de Estudios Superiores, S. C., el ensamble Grosso modo presentó fragmentos de obras de teatro o de coreografías, en un intento por vincular su quehacer artístico con la gastronomía. Estudiantes de gastronomía fueron espectadores de esos fragmentos. Cómo pudieron recibir la parodia hecha por quien teme a la comida, de su quehacer, inmerso en la cocina, es asunto de esta comunicación. Nos interesa la perspectiva de un espectador específico: el cocinero.
Prof. José Antonio Arvizu Valencia
Facultad de filosofía (Universidad Autónoma de Querétaro)
Este trabajo parte de las necesidades de una recuperación de los móviles y del sentido del arte, tanto en los trasuntos de la creación como en los problemas de su recepción -particularmente en un contexto, como el actual y local, caracterizado por sus crisis de inspiración y una profusa oferta de técnicas interpretativas que pretender satisfacer los órdenes de la realización y de la ejecución-.
Lo anterior se abordará desde el relieve que cobran las experiencias de la teoría y la práctica de la danza -en los momentos de concepción y ejecución- para reorientar aspectos cruciales de una estética hacia la primera persona como "percepción de sí" (en contraste a la tradición del arte como espectáculo y su posicionamiento en tercera persona). Y por último, abonar en la resistencia contra la reducción a la percepción visual de todas las comparecencias al arte (desde los flancos de la sinestesia).
Dra. Sara Alicia Andrade Narváez.
Universidad Pedagógica Nacional
Se presenta un estudio en caso en el que, a partir de la observación de un taller de graffiti, de entrevistas a profundidad y la perspectiva teórica-metodológica fundamentada en Heidegger, Nicol, Echeverría, Morin, Mandoki, Yurén, Peirce, Foucault-Deleuze-Yurén, Decroly, se destaca la importancia de la sensibilidad estética para la formación integral de sujetos, buscando superar la escisión de las facultades humanas en la vida cotidiana especialmente desde el proceso educativo, hacia la construcción de una pedagogía de la vida digna que impulse la corresponsabilidad de los sujetos en la transformación creativa de sí mismos y del ethos social, mediante la diversificación y diferenciación innovadora de su esteticidad singular. Ésta es expresada en disposiciones afectivas, las cuales suelen consolidarse en actitudes que marcan e inauguran estilos particulares de resignificar la estética de la sensibilidad social, abriendo caminos de formación.
Dr. Lauro Zavala
Área de Concentración en Semiótica Intertextual
Departamento de Educación y Comunicación, UAM-X
Aquí entiendo por síncopa la súbita interrupción del ritmo establecido en los primeros acordes de una melodía, y la inmediata adopción de otro ritmo. Este fenómeno del proceso creativo sólo ha sido estudiado de manera sistemática en el terreno de la interpretación jazzística, donde han sido reconocidas cerca de 30 estrategias específicas de improvisación musical (Paul Berliner: 1994). Sin embargo, es posible explorar estas estrategias en terrenos aparentemente alejados de la interpretación musical, en los que el ritmo es parte esencial del proceso creativo.
En este trabajo se trata de extrapolar las estrategias utilizadas para estudiar la síncopa jazzística (estrategias que también están presentes ocasionalmente en la poesía dedicada al jazz, en la narrativa sobre jazz y en los biopics sobre músicos de jazz) y señalar la existencia de una evolución en el concepto de improvisación musical, al pasar del canon clásico (en el trío canónico de la década de 1940) a las posibilidades que ofrece la tecnología contemporánea (más próxima a los caóticos procesos de interacción en la vida cotidiana).
Prof. Carlos Velázquez Rueda
Institución: Universidade de Fortaleza - UNIFOR Brasil
En el paso de la Edad Media para la Era Moderna la sociedad se individualizó ylo divino se hizo particular. En ausencia de Absoluto los objetos sonsignificantes vacíos, dispuestos a recibir el significado que el lucro les
otorgue caprichosamente. En este contexto, la estética propuesta por Baumgarten constituyó un intento de revitalizar la noción de Absoluto que constituía el centro de las reflexiones sobre Belleza que lo antecedieron; al contrario de muchas "estéticas" ocupadas en subsidiar la imagen de la burguesía emergente en disputa con las tradiciones nobles. Esto explicaría el desprecio por las artes
plásticas en discusiones antiguas e medievales sobre el espíritu, así como la importancia de las mismas en las eras Moderna y Contemporánea. La música, "asuntos de musas" según Platón, correspondería mucho mejor a la propuesta Baumgarteniana, a pesar de no encontrar espacio en nuestros días.
Dte. Julieta I. Lozano Aguirre B.
Doctorante en Filosofia en Universite Paris 8
Al evaluar las presuposiciones las en los discursos de Carl Einstein y André Bretón, es identificable una influencia de ideas libertarias devenida en moral anarquista aplicada a la actividad artística. Así, en el pensamiento de los grupos surrealistas comandados distintamente por Bretón y por la dupla Einstein-Georges Bataille, está ausente la separación radical de los dominios estético y político. Según el filósofo Jacques Ranciere, el anhelo de una desconexión absoluta entre ámbitos como arte y política representa una demanda incoherente. El dominio político posee su propia estética y el dominio estético una política propia. La imbricación de lo político y lo estético es evidente en el régimen estético de las artes que presenta dos perspectivas contradictorias: la misión revolucionaria-utópica del arte y la visión purista y recluida de la actividad artística. Proponemos examinar facetas de la paradoja estética-política en los discursos de Einstein y Breton con instrumentos filosóficos de Ranciere.
Dte. Andrea Marcovich
Ciencias y Artes para el Diseño UAM-X
La manifestación es una acción de protesta que intenta expresar, representar y legitimar al grupo mobilizado y a sus reivindicaciones, mediante la ocupación del espacio público y la presentación de signos de reconocimiento y de identificación, como las pancartas, mantas, fotos, eslóganes, música, cantos y el cuerpo como soporte de las marcas identitarias (la ropa, los gestos, las posturas, los peinados, etc.). En México, las manifestaciones son formas de desafiar al poder y dar visibilidad a demandas de justicia y de memoria para las víctimas de la violencia de Estado, encabezadas generalmente por sus madres. Es por ello que podemos hablar de estéticas maternales de memoria y resistencia que responden tanto a su condición de madres como a sus identidades culturales. Por su parte, los jóvenes manifiestan sus descontentos utilizando generalmente el humor, la ironía y la irreverencia, buscando nuevas formas de expresión y comunicación. Las diversas estrategias estéticas de los diferentes grupos, sus afinidades y sus contrastes, conforman estéticas que ocupan un lugar importante en el panorama de la cultura política actual del país y en la conformación de identidades de resistencia.
Fernández Christlieb, 1991, El espíritu de la calle. Psicología de la vida cotidiana, Editorial de la Universidad de Guadalajara, México
Fillieule, Olivier et Tartakowsky, Danielle, 2008, La manifestation, Sciences Po, Les Presses, Paris
Martínez de la Escalera, Ana María (coord.), 2008, Estrategias de resistencia, UNAM, México
Dr. Alberto López Cuenca. Universidad de las Américas,
En mi presentación quiero sustentar que existe un vínculo transitivo entre estética y política y que, por tanto, toda creación artística opera siempre necesariamente en el ámbito político. Esta hipótesis es, así expuesta, polémica y confusa. Mi objetivo es hacer una propuesta terminológica que permita advertir la mencionada transitividad. Esta propuesta la haré mediante una consideración crítica de los postulados de Jacques Rancière, específicamente los expuestos en Le partage du sensible: Esthétique et politique. Considero pertinentes las consideraciones de Rancière para el tema "Relación entre estética y arte, vida cotidiana y política" al menos por dos aspectos: 1º) porque concibe el arte como una práctica social de múltiples aristas y no sólo como el producto de un sujeto excepcional que debe ser analizado por narraciones disciplinarmente singulares (como la Historia de la literatura o de la escultura o del videoarte); 2º) porque vincula el arte con la estética entendida como teoría de la percepción y, en última instancia, con la política a través de la noción "división de lo sensible", lo que le permite detectar como indisolublemente entretejido lo que separan las disquisiciones de las disciplinas sancionadas académicamente, como es el caso de la Ciencia política, la Teoría del arte o la Estética. A partir de esto, puede revisarse la estética desde una perspectiva fundamentalmente política: como la definición -cierto, por todos los medios, no sólo artísticos- de aquello que se manifiesta, aparece y es susceptible de percepción y discusión en la esfera de lo común. Se trata, pues, de propugnar una vuelta crítica a las concepciones de "estética" previas a las forjadas durante el siglo XVIII, que vincularon restrictivamente este término con la belleza artística y con la Teoría del arte, para mostrar desde ahí la función inexcusablemente política de toda práctica artística.